Rentierschädel, die für die vergangenen Traumata und den zaghaften Fortschritt der samischen Gemeinschaften in Skandinavien stehen. Sprühende Arafedern, die die lebendigen Traditionen des brasilianischen Tapirapé-Volkes feiern. Dies sind nur einige der Höhepunkte von „Indigenous Histories“, einer fesselnden neuen Ausstellung, die kürzlich im norwegischen Kunstmuseum Kode Bergen eröffnet wurde.
Ein vielfältiges Schaufenster mit kulturellen Artefakten
Kuratoren, die sieben indigene Regionen in Südamerika, Nordamerika, Ozeanien und der nordischen Region vertreten, haben rund 280 Werke ausgewählt, um sie zu präsentieren. Diese Stücke verdeutlichen, dass Kulturen auf der ganzen Welt die Knochen der geschätzten Herden und das lebendige Federkleid als ebenso künstlerisch bedeutsam ansehen wie Gemälde und Drucke. Die Ausstellung zeigt historische und zeitgenössische Werke von mehr als 170 Künstlern, darunter Ölgemälde, Aquarelle, Fotografien, Keramiken, Schnitzereien, Textilien und konzeptionelle Installationen. Gemeinsam illustrieren sie eine Anthologie von „vernachlässigten Geschichten“, sagt Petter Snare, der Direktor von Kode.
Einzigartige regionale Vertretungen
In den Galerien ist jedem Land oder Territorium ein eigener Raum gewidmet, so z.B. Brasilien, Peru, Mexiko, Kanada, Australien, Neuseeland und Sápmi, dem traditionellen Gebiet der Samen. Dieser Ansatz betont die regionalen Unterschiede – wie jede indigene Gemeinschaft mit ihrem spezifischen Klima und ihrer Landschaft, ihren Bräuchen und Trachten verbunden ist – aber auch ihre gemeinsamen Erfahrungen, vor allem ihre Behandlung durch die Kolonialmächte.
Kunst neu denken
„Indigenous Histories“ steht im Einklang mit einem neuen Denken darüber, was Kunst ausmacht. Das zunehmende öffentliche Interesse an unbekannten Aspekten der Kunstgeschichte und weniger rigide kuratorische Programme haben den traditionellen Kunstkanon auf den Prüfstand gestellt. Die Museen erforschen neue Wege, Kunst zu sehen und zu präsentieren. Bei Kode finden Sie präkolumbianische Graburnen neben modernen brasilianischen Satinbandmasken, dokumentarische Fotografien aus Lappland aus dem 19. Jahrhundert, romantische Holzschnitte von samischen Liebenden aus den 1920er Jahren und zeitgenössische Skulpturen aus Geweih und Wacholder.
Spannungen und Herausforderungen in der zeitgenössischen Kunst
Für zeitgenössische Künstler innerhalb dieser Gemeinschaften besteht manchmal eine Spannung zwischen der Beibehaltung traditioneller Methoden und der Suche nach neuen Ansätzen. Katarina Spik Skum, eine samische Künstlerin aus dem schwedischen Teil von Sápmi, stellt eine Zeltarbeit aus Birkenzweigen, Leder, Wolle, Fell und digital bedrucktem Stoff aus. Auch Museen stehen bei der Ausstellung dieser Werke vor besonderen Herausforderungen. „Sie achten darauf, dass Sie Materialien verwenden, mit denen die Menschen, die sie hergestellt haben, zufrieden wären“, erklärt Philippa Moxon, eine Textilrestauratorin, die an der Ausstellung arbeitet. „Einer meiner Kollegen musste die beiden Mägen der Rentiere untersuchen. Sie sind faszinierend. Sie wurde mit etwas konfrontiert, das sie noch nie gesehen hatte.“
Lebendige Farben, kulturelle Dynamik und Wut
Die vielleicht bekanntesten Werke bei Kode sind die ikonischen „Punkt“-Gemälde von Aborigine-Künstlern wie Mick Namarari Tjapaltjarri, die in den frühen 1970er Jahren im australischen Northern Territory entstanden. Diese Gemälde zeigen keine Landschaften, sondern Lieder von Landschaften. Weniger bekannt, aber ein weiteres Highlight der Ausstellung sind die anamorphen Vasen mit Steigbügelgriffen, die vor etwa 2000 Jahren von der peruanischen Moche-Zivilisation geschaffen wurden.
Politische Empörung und soziale Gerechtigkeit
Neben leuchtenden Farben und kultureller Dynamik zeigt die Ausstellung auch rechtschaffene Wut und politische Empörung, denn die Künstler setzen sich mit dem Erbe der kolonialen Unterdrückung auseinander. Eine Sektion mit dem Titel „Aktivismus“ erforscht, was die Kuratoren als „Geschichte eines verwickelten Kampfes“ beschreiben. Der Klimanotstand hat die Meinung über indigene Gemeinschaften verändert, sagt Katya García-Antón, die die Ausstellung in Venedig kuratiert hat und jetzt Direktorin des Nordnorsk Kunstmuseums in Tromsø ist.
Eine globale Sensibilisierungskampagne
Die Rentierschädel der samischen Künstlerin Marét Anné Sara, die sowohl in Bergen als auch in Venedig ausgestellt sind, wurden zuvor vor dem norwegischen Parlament in Oslo gezeigt, um gegen die von der Regierung verordneten Rentierschlachtungen zu protestieren. Die Ausstellung indigener Kunst in einem staatlich finanzierten Museum, die sich auf die Rechte und den Zugang zu Land auswirkt, wirft Fragen der Heuchelei auf. Die Kampagne in Bergen lässt das Publikum jedoch in eine tiefe Quelle esoterischen Wissens, spirituellen Glaubens und feiner Kunstfertigkeit eintauchen und zeigt, dass diese Geschichte überall auf der Welt weitergeht.
